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Cine Español

Pájaros de Papel

“Pájaros de Papel”, ópera prima de Emilio Aragón en el cine, es una película personal, cuidada, hecha con esmero por un realizador que ha vivido el mundo de la farándula desde la cuna, y posiblemente uno de los pocos realizadores con licencia moral y conocimiento profundo de causa para contar la historia que presenta de la manera que lo hace.

Sinopsis

Acabada la guerra, una compañía de artistas de vodevil va de pueblo en pueblo con sus actuaciones, formando una extraña y singular familia. Un hecho inesperado les pondrá a prueba, obligando a algunos de nuestros protagonistas a tomar decisiones de vida o muerte.

Este grupo está encabezado por un músico y cantante, Jorge; un ventriloquista, Enrique, y Miguel, un huérfano de 10 años, acompañados por la cupletista Rocío Moliner y Merceditas, una niña y bailarina clásica.

Ellos atravesarán, en el medio de intrigas, números musicales, momentos de tensión y hambre permanente, parte de la España de la época, tratando de vivir y sobrevivir.

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La Dama y la Muerte: En 3D y gratis este fin de semana

El Parque de las Ciencias proyecta la versión estereoscópica del cortometraje ‘La dama y la muerte’ durante el primer fin de semana del mes de Marzo

• Será la primera vez que el museo utilice su cine 3D
• La entrada será libre hasta completar el aforo y la sesión en versión estereoscópica comenzará a las 12.00 horas

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Paul Naschy en dvd

Una nueva ronda de lanzamientos en dvd es lo que nos ocupa esta vez y es que además se ha dado la casualidad (en este caso podemos llamarla así y no como infamias como aquel pack que salió de Heath Ledger al de pocos días de su trágica muerte) de que Vellavisión ha sacado a la venta ocho películas protagonizadas por Paul Naschy, el cual falleció apenas cinco días después (y no antes) del lanzamiento de las películas. No me las voy a dar de entendido de su cine, ni siquiera de gran seguidor suyo (el bagaje medio de las películas suyas que he visto cae del lado negativo pese a títulos reivindicables como Los ojos azules de la muñeca rota), pero lo que nadie debería discutir jamás es su capital importancia en el desarrollo del cine de terror en nuestro país. Cierto que cuando dio el salto a la dirección su carrera se decantó más por títulos más apegados a la realidad, pero nadie dijo que tuviese que estar encasillado de por vida en personajes como el del licántropo Waldemar Daninsky.

Por concretar cuáles son los ocho títulos creo que va siendo hora de enumerarlos: La marca del hombre lobo, La venganza de la momia, El retorno de Walpurgis, Inquisición, El caminante, La bestia y la espada mágica, El último kamikaze y Latidos de pánico. En el caso de las siete primeras esta es la primera vez que pueden adquirirse en dvd en nuestro país, siendo la salvedad Latidos de pánico, ya editada con anterioridad por parte de Suevia. En lo concerniente a la calidad audiovisual no dudo que se ha hecho un esfuerzo notable, ya que ha estado implicada Resen, la principal responsable de que al fin contemos en España con una edición de cierto nivel de la imprescindible El tercer hombre, hasta entonces objeto de multitud de ediciones, pero todas de un nivel entre bajo y lamentable. Además, al contrario que otros lanzamientos simultáneos por parte de Vellavisión (seguramente el más destacable sea el de Supersonic man (1), burda copia de Superman que cuenta con no pocos seguidores por frases ya memorables como el “Que la fuerza de las galaxias sea conmigo”), todas las películas cuentan con la inclusión de una extensa entrevista a Naschy, el cual nos comenta cosas sobre todos los títulos.

A modo de aclaración inicial hay que señalar que la entrevista a Naschy aparece recogida en todos los títulos editados, por lo que si sólo adquirís uno de los títulos podréis acceder a los comentarios acerca de los ocho lanzamientos y así, en el caso de no haber visto ninguno de los títulos, podréis ver cuáles de ellos os resultan más interesantes. Se nos da la opción de visionar la entrevista como un todo, pero, como creo que ya ha quedado claro, está segmentada en ocho partes, cada una de ellas dedicada a una de las películas: La marca del hombre lobo (14:03 minutos), donde se nos relata los orígenes del proyecto durante el rodaje de la discreta Agonizando en el crimen, o más concretamente durante la pausa de un día de rodaje por cuestiones meteorológicas. Naschy consiguió sacar adelante el proyecto casi de chiripa por lo que nos cuenta, porque fue la productora alemana (la que consiguió el guión Dios sabe cómo) la que impulsó la película tras las constante negativas que encontró en España. La venganza de la momia (5:25), y es que la momia era un personaje que fascinaba a Naschy de joven. La anécdota más reseñable es que la dirección recayó sobre Carlos Aured porque León Klimovsky estaba ocupado rodando otras cosas. El retorno de Walpurgis (07:49) cuyo título fue escogido directamente por los distribuidores para aprovecharse del notable éxito de La noche de Walpurgis tal y como nos relata Naschy, el cual también nos explica que estuvo a punto de perder la vida por rodar una escena especialmente peligrosa, pero tuvo suerte y cayó hacia dentro en lugar de al vacío.

Inquisición (7:05) supuso su debut en la dirección y nos explica por qué optó por centrarse en la inquisición francesa en lugar de la española, siendo decisiva la participación del hermano de un famoso escritor. El Caminante (09:57) es un título clave en su filmografía, ya que explica que refleja perfectamente su forma de pensar. Tampoco tiene problemas en explicarnos que una escena decisiva de la película surgió por mera casualidad al encontrarse unas estatuas en el lugar de rodaje con las que nadie contaba. El caso de La bestia y la espada mágica (13:33) es especialmente singular, ya que surge de la colaboración con una productora japonesa, la cual no estaba inicialmente interesada en rodar películas de ficción, sino en “documentales artísticos”, pero acabó convenciéndolos para rodar la primera coproducción entre Japón y España: El carnaval de las bestias. Acto seguido surgió la que ahora nos ocupa de la idea de situar al hombre lobo en Japón. Anécdota destacable: La que ocupa a la tigresa empleada en la película. El último kamikaze (4:15) pertenece a esa veta de corte más realista de su carrera, siendo lo más curioso el apunte sobre la escena de la explosión en la gasolinera. Por último tenemos a Latidos de pánico (06:23), la última entrega cinematográfica sobre Alaris de Marnac (seguramente la creación más reconocida de Naschy junto a su hombre lobo particular), donde ocupa casi más tiempo en reiterar ciertos aspectos generales de su carrera, siendo el comentario más curioso sobre la película en sí misma el apunte sobre la utilización de la capilla donde Franco bautizó a sus nietos.

En lo referente al precio, todos los títulos están a la venta por 9,95 euros cada uno (menos si uno aprovecha la vorágine de ofertas que nos espera después del día de Reyes), un precio bastante ajustado y por el que merece la pena el intento con al menos uno de los títulos. ¿Cuál recomendaría yo? Pues no he tenido la oportunidad de ver todas las películas editadas, así que me abstengo de opinar al respecto.

(1) Si queréis saber más sobre la película os recomiendo leer esto: http://www.viruete.com/articulos/2004/supersonicman.htm

Trueba, a los Oscar

Carne de Neón

El 13 de julio ha comenzado el rodaje del segundo largometraje del realizador Paco Cabezas, donde han tenido que incluir en su “atrezzo” máscaras anti-gripe A, ante la alerta roja que vive el país estos últimos días.

Conocido en el mundo cinematográfico por su largometraje APARECIDOS, road movie de terror vendido a más de 22 países y por su galardonado cortometraje CARNE DE NEÓN, obra en la que se basa este largometraje, Paco Cabezas, rueda en Bueno Aires una comedia trepidante, juvenil, fresca, llena de acción, que desparrama juerga, con unos personajes pintorescos, marginales y a la vez entrañables, protagonizada por los actores españoles MARIO CASAS, ANGELA MOLINA, MACARENA GÓMEZ, BLANCA SUAREZ, VICENTE ROMERO, DÁMASO ALONSO y los actores argentinos DARIO GRANDINETTI, LUCIANO CACERES.

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A contraluz, cortos en Madrid

“Una experiencia fascinante y visualmente espectacular”, Javier Ocaña, Cinemanía. “64 minutos de cine de muchos quilates”, Gregorio Belinchón, EL PAÍS “Una invitación que nadie interesado en el futuro del cine español debería rechazar”, Jordi Costa, EL PAÍS.

Tony Zenet: Soñar con Grey

Desde hace unas semanas, el canal de televisión CUATRO está emitiendo una promo de la nueva temporada (la quinta creo recordar) de la serie Anatomía de Grey. Esto no tendría nada de especial a no ser del uso de un temazo, que está revolucionando internet, que se puede oir de fondo como banda sonora de las imágenes que prometen una temporada llena de emociones románticas.

¿Que no lo habéis visto?¿No sabéis de qué hablo? Pues para muestra, un botón:

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Píldoras de cine español

¿Merece realmente la pena ver cine español? Es una pregunta que muchos se limitan a responder con un “No la he visto, pero mala”¹ (vale, tan sinceros no son, pero eso vienen a querer decir), yo como tengo bastante tiempo libre y encima prefiero dedicarlo a ver películas a priori poco estimulantes (vamos, que suelo ponerme antes algo que apeste a mierda que cualquier otra cosa) pues voy viendo bastantes películas nacionales. En un breve lapso de tiempo he tenido la ocasión de ver dos producciones recientes y dos estrenos del año pasado, coincidiendo en ambos casos una oposición estreno estrella contra película prácticamente invisible. El resultado a continuación.

Cuando Pedro Almodóvar estrena una nueva película parece que el mundo del cine español se paralizase para ver lo que ha hecho el “genio” (me niego a calificarlo así sin más) manchego. Su nueva película lleva por título Los abrazos rotos y es un descompensadísimo cóctel con thriller² (lo más flojo de la función por mucho que Almodóvar lo señalase como la parte de la que se sentía más orgulloso durante la rueda de prensa, aunque la idea de la anti femme fatale resulte de lo más sugestiva), melodrama (le falta más capacidad de emoción al resultar un tanto distante, pero no está nada mal) y comedia (estupendos todos los alivios cómicos, en especial el personaje de Lola Dueñas. Sin duda un acierto que su próximo trabajo vaya a ser algo cómico). Queda lugar para el homenaje al cine en general y al propio en particular, buen trabajo de los actores (Penélope Cruz incluida por mucho que hay a quien le cueste creérselo), desconcertantes cameos o apariciones fugaces de rostros conocidos (¿Qué pinta sino por ahí en medio Dani Martin en un papel cuyo único objetivo es poder decir que ha trabajado con Almodóvar?, Al menos en el caso de Kira Miró se nos deja disfrutar de su acento natural que siempre se ve obligada a enmascarar porque… ¿por qué exactamente?) amén de reencuentro con viejas conocidas del cine de su director. La mezcla es tan variopinta que es casi imposible que haya alguien que no encuentre algo satisfactorio en la película, lo cual es también un arma de doble filo, porque es poco menos que imposible justificar que estamos ante algo redondo. La hermana fea sería en este caso Cosas insignificantes (coproducción con Méjico, por si alguien se enfada al decir que es española sin más), cuyo premonitorio título hace honor al interés de la misma: Se opta por la cansina y agotadísima fórmula de entrecruzar la vida de múltiples personajes para mostrarnos lo infelices que son, ya sea por una enfermedad imprevista, una relación amorosa que hace aguas, una forma de vida agotadora o un terrible error del pasado que parece imposible de remediar. Sucede lo de siempre, es decir, algunas historias son más interesantes que otras, en general todo se hace bastante previsible y lo reducido de metraje para cada pequeño drama dificulta la conexión emocional con ninguno de ellos. También hay un trabajo moderamente bueno de sus actores y uno no llega a aburrirse. El problema es que en una película de sentimientos que sacrifica el interés de los temas técnicos y de puesta en escena si uno sale del cine exactamente igual que como ha entrado es que la película no es buena, quizá tampoco mala, pero definitivamente no es recomendable. Por cierto, hasta mayo no se estrena por si a pesar de todo queda algún interesado.

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Dos óperas primas nacionales en dvd

Dentro del cine español hay una tendencia dominante a que los “genios” del pasado (algunos se ganaron el calificativo, otros digamos que no tanto) sean los que consigan más notoriedad en los miedos y eso se traduce en mayor atención de los premios y en gozar de una distribución en salas como mínimo aceptable. Esto sería de una normalidad olvidable de no ser por el mal endémico que padece el cine español de cara al gran público, el cual piensa que siempre se hacen las mismas mierdas y que no merece la pena pagar por ver película nacional alguna. Y es aquí donde se hace particularmente molesto que aquellos directores que optan por géneros no muy cultivados en nuestro cine sean ignorados, triunfen con sus óperas primas (Juan Carlos Fresnadillo y la notable Intacto) o no (Guillem Morales y la muy estimable El habitante incierto, de la que actualmente ultima prepara un remake en el extranjero), siendo lo más habitual lo segundo ante los estrenos casi invisibles de estas películas. El ya finalizado 2008 nos ofreció varios trabajos de ese calibre, siendo posiblemente el caso de Los cronocrímenes el más destacado, el cual al menos ha gozado con una trabajada edición en dvd que será lo que ahora comente, en concreto su edición especial.

El debut en el largometraje de Nacho Vigalondo nos cuenta la(s) historia(s) de Héctor, un hombre que lleva una vida apacible junto a su esposa Clara, pero un buen día decide entretenerse un rato mirando con sus prismáticos hacia un bosque cercano, donde ve a una joven quitándose la ropa. Su mujer hace que pierda la atención un momento y, aprovechando que ella va a hacer un recado, decide adentrarse en el bosque a ver si encuentra a la chica. Y vaya si lo hace, y encima está completamente desnuda y tirada inconsciente en el suelo, a lo que él no sabe muy bien cómo reaccionar, pero el ataque de un misterioso extraño le obliga a poner pies en polvorosa e ir en busca de ayuda, lo que no sabe es que esa ayuda sólo complicará más y más las cosas, con pequeños saltos en el tiempo como eje de la función. El resultado que arroja Los cronocrímenes es un trabajadísimo entretenimiento que cuenta con su guión con su mayor virtud (pues era muy fácil que una película con viajes en el tiempo derivase en un desbarramiento sin pies ni cabeza que sólo interesase a los que busquen historias crípticas hasta para su propio autor), ya que para otros factores no se dispuso de suficiente presupuesto para que la película luzca más profesional (y con ello no quiero decir que por ejemplo el trabajo de dirección sea malo ni tampoco el nivel interpretativo, aunque definitivamente actuar no es lo que mejor se le da al artífice del corto nominado al Óscar 7:35 de la mañana), pero tranquilos, como fuera de este país sí sabe distinguirse el talento ya se anda trabajando en un remake, que carecerá del factor sorpresa de ésta pero en el que seguro que se invierte bien de dinerito. Por no entrar en los terrenos pantanosos del spoiler podría decirse que la película auna elementos del giallo italiano con elementos de un suspense más tradicional aliñándolo con múltiples elementos de ciencia ficción. Si el cóctel os suena interesante ya sabéis, a verla, y sino también, que guste o no lo que no puede decirse es que Los cronocrímenes sea lo mismo de siempre.

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Doble sesión de animación

Con la llegada de las Navidades resulta impensable que los mandamases del cine no decidan estrenar en nuestro país numerosas películas de animación. Este año, que ahora mismo recuerde, se han ido estrenando con una brevísima diferencia temporal Madagascar 2 (la cual he preferido ni ver, ya la primera no me pareció gran cosa), Bolt (notable sorpresa que sabe utilizar sus ingredientes de cine familiar para ofrecer un divertimento muy disfrutable, aunque siga quedando la espina clavada de lo que pudo haber sido si el proyecto hubiese visto la luz tal y como Chris Sanders, director de Lilo & Stitch y que iba a encargarse de esta película hasta que fue “relevado”, tenía planeado), Perez 2 (si ya huí de la primera como si de la peste se tratase como para pararme a ver su secuela), El valiente Despereaux y El lince perdido. En el texto que nos ocupa me centraré en las dos últimas, las cuales suponen una agradable sorpresa y un pequeño paso adelante en la creación de un cine de animación español de calidad.

En el caso de El valiente Despereaux se opta por un alejamiento de los esquemas actuales del cine de animación hollywoodiense, ya que se prescinde tanto de un humor falsamente irreverente de la veta dominante como de la que intenta de satisfacer a un público más adulto. Los objetivos de esta producción recaen en el intento de contar una historia sencilla encaminada al público infantil que aún demanda relatos que recuerden a las versiones edulcoradas de los cuentos de toda la vida y alguna cinta del Disney clásico. La historia, interesante pero no del todo bien desarrollada (hubiera estado bien incidir algo más en los orígenes la criatura de vegetales o en el componente oscuro de la represión real hacia sus súbditos tras la muerte de la reina), queda supeditada al desarrollo del periplo del ratón protagonista y de la rata causante del infortunio (básicamente la presencia de la rata en la sopa de la reina la provoca un ataque al corazón que deriva en su muerte, lo cual cabrea un poco al rey, el cual se pone a prohibir cosas y todo el mundo es infeliz por ello). Este hecho, que fácilmente podría acabar en una cinta con ritmo errático se compensa con la agilidad de los movimientos de cámara (realmente no debería llamarlo así, pero se me escapa la palabra adecuada) y la ausencia de giros de guión o de situaciones altisonantes es maquillada por una historia puede que simple, pero desarrollada con coherencia y encanto. No puede decirse que El valiente Despereaux sea una gran película, pero sí que es consciente de sus limitaciones, las cuales usa en beneficio propio para ofrecer una película que esquiva toda moda en busca de un divertimento apto para toda la familia que si bien se centra en los más pequeños de la casa lo hace con suficiente honradez y buen gusto como para que aquellos adultos capaces de diferenciar entre historias infantiles buenas y malas (que ha llegado un punto en el que una cinta de animación no puede ser abiertamente infantil por motivos que se escapan a la lógica, que infantil y malo no van siempre ligados de la mano) puedan pasar un buen rato.

Por su parte, El lince perdido mezcla los objetivos de El valiente Despereaux con elementos más cercanos a la saga Madagascar en un cóctel que no termina de cuajar. La vena más light aparece en la historia, encaminada a la protección de los animales en general y del lince en extinción en particular (cierto que también hay un homenaje al arca de Noé de por medio con cazador furtivo incluido, pero no termina de ser interesante) la cual se ve salpicada por elementos de corte (pretendidamente) cómico en la definición de los animales protagonistas, en especial en el caso del camaleón Gus, el cual contar con la voz del doblador habitual de Bender de Futurama le impide desarrollar una personalidad más marcada, cuando queda claro que los principales esfuerzos cómicos del filme se centran en él y su capacidad de ver conspiraciones gubernamentales en cualquier sitio. Y el problema es que más allá de Gus la carga cómica resulta demasiado obvia y tontorrona (los dos secuaces inútiles del cazador), resultando quizá acertada para los jóvenes de la casa, pero insuficiente para todos aquellos que quieran disfrutar aisladamente de la propuesta. Aunque hay que reconocer que no todo son puntos negativos, ya que la animación es la más lograda en una producción animada española, se introducen elementos que dejen clara la nacionalidad de la propuesta (si el intento es fallido que al menos sea haciendo algo propio y no copiando lo ajeno, algo a lo que es muy dado el cine español) y en ningún momento busca ser otra cosa que lo que realmente propone. El problema es que el resultado no excede lo moderadamente soportable para aquellos que confían en un cine de animación abiertamente infantil pero de calidad que es lo que sí ofrece El valiente Despereaux. Al menos queda el consuelo de no haber salido un estropicio tan grande como el de La crisis carnívora, otra de las “grandes” propuestas de animación española del 2008 que resultó ser una mediocridad tremenda incapaz de aprovechar las posibilidades de la historia al optar por refugiarse en la presunta comicidad de la presencia constante de lenguaje malsonante.

En definitiva, una buena película y un loable (aunque insuficiente) intento de desarrollar el cine de animación en España. La verdad es que prefiero Bolt a cualquiera de estas dos, pero al menos El valiente Despereaux (que tampoco es mucho peor que Bolt) merece una oportunidad para que ese tipo de películas animadas no se hundan en la miseria de forma injusta.

El Lince Perdido: Una Aventura Unica

Llevar a los niños al cine cada vez es más un deporte de alto riesgo, encontrar una película que guste a toda la familia casi que una misión imposible, pero mire usted qué cosas, el cine español ha parido una aventura para toda la familia que dejará buen sabor de boca en toda la familia, sin importar su edad o sexo, una aventura con mensaje, entretenida y de las que gusta ver y enseñar a los más pequeños de la casa.

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El Lince Perdido: Conócelo por dentro

El Lince Perdido es una producción realizada en animación 3d. Se trata de una película de aventuras con un gran componente de comedia, y se centra en las desventuras de un grupo de animales perseguidos por un despiadado cazador a lo largo de toda la región. Entre los escenarios recreados en la película destacan las playas de Monsul y Bolonia, el parque natural de Doñana, y de Sierra Nevada o algunos parajes de Despeñaperros o la Sierra de Cazorla.

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